MEMORIE PERDUTE

E' in distribuzione già da qualche giorno il nuovo episodio un una serie western a fumetti, di produzione italiana e ormai sulla scena dal 2005, dedicata alle avventure di Than Dai. Il volume, brossurato e di grande formato (cm 21 x 30, 32 pagine), si intitola "Memorie perdute", e reca il marco  CdT, vale a dire "Cronaca di Topolinia". Quattordici anni di vita sono tanti, soprattutto se si considera che si tratta di albi pubblicati da una piccola casa editrice, e basterebbe questo a giustificare il fatto che ve ne parli. In realtà c'è un altro motivo per cui lo faccio, ed è che in "Memorie perdute" c'entro qualcosa anche io. Sono infatti l'autore del soggetto e della sceneggiatura: in tutto, ventiquattro pagine alla francese (quattro strisce ciascuna). I disegni sono dei bravissimi Francesco Bonanno (venti tavole nel presente narrativo) e Luciano Costarelli  (quattro tavole in flashback). La copertina è di uno strepitoso Dante Bastianoni, i colori del valido Beniamino Delvecchio.  Un cast grafico di prim'ordine, visti i curricula dei quattro (sottolineo in particolare, senza voler far torto agli altri, quello di Dante: Martin Mystère, Nathan Never e Zagor in Bonelli, Fantastici Quattro per la Marvel). Bastianoni, mio amico da tempo immemorabile, è anche l'autore di quattro stampe: una verrà data, compresa nel prezzo, con il volume; altre tre sono a richiesta. Le vedete riprodotte qui sotto. 

Se qualcuno dei miei venticinque lettori ritiene di non doversi far mancare un altro fumetto sfornato dal sottoscritto e viole aggiungere un ennesimo libro nello scaffale dedicato alle opere a mia firma, potrà cercare il volume in fumisteria (se non c'è, i librai possono ordinarlo) oppure richiederlo qui:

https://lnx.cronacaditopolinia.it .

Il fatto che abbia scritto un fumetto western extra-bonelliano non significa, com'è ovvio, che abbia la benché minima intenzione di ridurre o interrompere la mia collaborazione con la Casa editrice di Via Buonarroti. Anzi, prima di accettare le pressanti richieste di "Cronaca di Topolinia", fattemi per anni da Salvatore Taormina che ne è il titolare, ho pregato il Tao di chiedere personalmente uno chiaro benestare ai nostri direttori. Salvatore, che in passato è riuscito a far autorizzare altre pubblicazioni da lui realizzate con personaggi e autori bonelliani, è tornato dicendomi che non c'erano problemi. Così non ho avuto più scuse per rifiutare di scrivere quello che da tempo mi chiedeva: una storia di Than Dai. Per Taormina, su "licenza" della Bonelli, avevo del resto scritto in passato anche un albetto di Zagor ("La cripta") e un altro di Cico ("Cico cacciatore di mostri") che l'Associazione Amici del Fumetto (che edita "Cronaca di Topolinia") ha regalato alcuni anni fa ai propri iscritti.

Ma veniamo a parlare di Than Dai. Nel 2009, Sergio Bonelli mi chiamò nel suo ufficio e mi chiese di scrivere un articolo su questo personaggio per l’ “Almanacco del West” (così si chiamava allora la pubblicazione che oggi viene denominata “Tex Magazine”). Dato che ormai da quattro anni Salvatore Taormina, l’artefice della rivista amatoriale “Cronaca di Topolinia”, portava avanti questa sua serie western, era ora che ne parlasse il contenitore bonelliano di recensioni e segnalazioni su tutto ciò che riguardava il Lontano Ovest (fumetti, film, libri). Il mio pezzo, intitolato “Than Dai, l’indiano bianco”, venne pubblicato sull’ “Almanacco del West” del 2010.

Ecco che cosa scrissi: “Agli appassionati capita di lamentare la penuria di storie ambientate nelle terre della nuova o della vecchia Frontiera americana. Così, Salvatore Taormina ha pensato di soddisfare la sua voglia di West ideando una saga a fumetti ambientata tra i Sioux. Ha quindi radunato uno staff di giovani autori, quasi tutti esordienti, e ha affidato loro il compito di dare vita alle avventure di Than Dai, un ragazzo bianco allevato, per l’appunto, dai Sioux, dopo che altri pellerossa avevano attaccato la carovana con cui viaggiava, uccidendogli i genitori. Divenuto un guerriero, Than Dai è protagonista di storie corali insieme agli altri membri della tribù, come Lin Sei, figlia del sakem, la bionda Belle, anch’essa una bianca che vive fra gli indiani fin da quando era bambina, il bellicoso Gor-Aka, il tenebroso meticcio Vento Nero e il giovane Thon Din. A fare da contraltare, c’è il mondo dei bianchi: gli abitanti di Rogue Town, la cittadina più prossima al villaggio dei pellerossa, i trappers e i soldati di Fort Logan, tra cui spicca il tenente Shaw, acerrimo nemico del nostro eroe (al punto da perseguitarlo anche sotto forma di demone dall’aspetto di lupo, in seguito a una magia). Le trame si snodano legate da una stretta continuità temporale e con molti cambi di scenari: Than Dai veste persino la divisa del soldato, poi abbandona la sua tribù esiliandosi volontariamente in Canada, quindi fa ritorno al villaggio trovandolo distrutto e si mette alla ricerca dei suoi amici dispersi. I testi seguono il solco della tradizione e puntano più sul coinvolgimento emotivo che sull’esatta ricostruzione di un periodo storico, e i disegnatori adattano loro sensibilità gli stilemi più classici del cinema e del fumetto western, filtrarti da ognuno di loro attraverso le proprie capacità e i propri modelli grafici. La collana è destinata al circuito delle fumetterie. Accanto agli episodi regolari in bianco e nero sono stati proposti anche alcuni speciali a colori e altri cartonati”.

A distanza di quasi un decennio da quell’Almanacco, Than Dai continua a essere protagonista di nuove avventure, anche se più diluite nel tempo quanto a uscite, e a sperimentare formati. Al di là dei miei tanti impegni che mi hanno a lungo impedito di scrivere la storia che Salvatore Taormina mi chiedeva, nicchiavo perché mi dispiaceva occupare il posto di altri sceneggiatori con meno spazi a disposizione del sottoscritto. Alla fine, ho trovato (pur a fatica) uno spiraglio fra gli impegni e ho trovato la soluzione al problema dell’ingombro del suolo altrui: avrei scritto un solo racconto (non ce ne sarò un altro mio), ma fatto in modo da poter passare la palla, aprendo un nuovo scenario avventuroso, ad altri pronti a raccogliere l’assist. “Memorie perdute”, mette infatti Than Dai di fronte al problema, che ha sempre preferito non affrontare, della ricerca delle proprie origini, del ritrovamento della sua famiglia di origine. Ho insomma creato il presupposto perché si indaghi sul passato del personaggio. Darò qualche consiglio a chi se ne occuperà, e sono curioso di vedere come se la caverà chi prenderà in consegna il mio testimone. 

CICO PIONIERE

E' in edicola il n° 25, dato giugno 2017,  della collana a colori bimestrale dedicata dalle Edizioni If alla riproposta degli albi di Cico in ordine cronologico (quelli originariamente usciti, in bianco e nero, sotto il marchio Bonelli tra la fine degli anni Settanta e il 2007). Si tratta di "Cico pioniere", con testi mie e disegni di Francesco Gamba (copertina di Gallieno Ferri). La prima edizione Bonelli, in bianco e nero, risale al 2005. Il fatto che la ristampa If in policromia sia arrivata quasi a completare la collana (con venticinque uscite su ventisette) significa che a distanza di anni dalla prima uscita questi albi continuano a divertire almeno qualcuno, e questo mi fa molto piacere.

Nell’ultima tavola dell’albo precedente, “Cico Cowboy”, il nostro messicano spiegava di aver rinunciato a continuare a fare il mandriano in un ranch per andare a caccia di nuove avventure. “Di lì a poco – raccontava infatti il pancione– sarei divenuto la guida di carovane più ricercata di tutta la frontiera! Prima o poi vi racconterò anche di quel periodo della mia vita… statene certi, amici miei!”. E infatti, più prima che poi, nel venticinquesimo della serie vengono narrate le disavventure del pancione nei panni di uno scout alla testa di un convoglio di carri. Quando io e Francesco Gamba realizzammo “Cico Pioniere”, mi divertii moltissimo non soltanto a immaginare le gag e gli sketches (come quello, tra i miei preferiti, delle begonie indago extra size) ma anche nell’inventare dei buffi nomi per i personaggi. Non sfugge a nessuno, infatti, come quello del truffatore Tim Brollyo suoni come “t’imbroglio”, e poco più avanti una esperta guida abituata a dare il segnale della partenza e della fermata ai carri si chiami Gostop (“vai”, “non proseguire”). La “terra promessa” tanto agognata dai pionieri è naturalmente la “Honey Valley” e i capi della comitiva sono un terzetto di signori appellati Melchiorre, Baldassarre e Caspar, come i tre re Magi (i quali appunto compirono un famoso viaggio in carovana molto tempo fa). 

Nononostante le apparenze ilari e giulive dell’albo, non va dimentica la drammatica realtà dei “viaggi della speranza” compiuti dai coloni che dalla costa atlantica del Nord America andavano in cerca di fortuna verso le selvagge  terre dell’Ovest. Una delle più tragiche spedizioni di questo tipo fu la tristemente famosa “Donner Party”, ovvero una carovana di carri di emigranti che, nel 1846, prese il nome da George Donner, un pioniere deciso a condurre la sua famiglia fino in California, trovando un numeroso gruppo  disposto a seguirlo benché non avesse aveva la stoffa del condottiero, rivelando anzi in più occasioni il suo carattere irresoluto.  La carovana si perse tra le montagne e fu bloccata dall’inverno. Le testimonianze dei sopravvissuti, molti ritrovati in stato di shock e con evidenti segni di alienazione, rivelarono che si era trattato di scegliere fra morire di fame o vivere mangiando la carne umana. Nessuno perseguitò i cannibali riportati alla civiltà. La loro storia è stata raccontata in molti libri tra cui, efficacemente, in un saggio italiano dal titolo “Il diavolo sulla sierra”, di Angelo Solmi (1978). Anche gli autori di un altro grande personaggio del fumetto italiano, Ken Parker (un personaggio creato nel 1977 da Giancarlo Berardi e Ivo Milazzo), hanno preso spunto da questo fatto storico per realizzare una delle ultime avventure del loro eroe, “La carovana Donaver” (1995), scritta da Berardi e Mantero e illustrata da José Ortiz. 

CHUPACABRAS!

E' in edicola in questi giorni il Color Tex n° 10, intitolato "Il mescalero senza volto e altre storie". L'albo contiene cinque storie brevi e a colori, scritte da Barbieri, Boselli, Burattini, Rauch e Testi  e disegnate da Bocci, Dotti, Laurenti, Rubini, Venturi (in ordine alfabetico). Per una inquadratura generale della pubblicazione può essere utile leggere la recensione di BadComics, cliccando qua. Se permettete, io mi limiterò a dire qualcosa sull'episodio a mia firma, intitolato "Chupacabras!", splendidamente illustrato da Michele Rubini (con il quale avevo già lavorato su Zagor, con la storia "La morte sospesa", in quattro albi). 

Innanzitutto, si tratta della mia seconda prova su Tex, dopo "Incontro a Tularosa" (disegni di Giuseppe Camuncoli), pubblicato su un Color di un paio di anni fa. Poiché non c'è due senza tre, ho già consegnato, nel frattempo, una terza sceneggiatura texiana che è stata affidata a Raffaele Della Monica (un altri che di solito lavora con me sulle tavole dello Spirito con la Scure, ma che ha un passato di autore anche di Aquila della Notte). E' probabile (e io ci spero) che Mauro Boselli mi chieda di lavorare su un quarto e forse un quinto episodio, ma ne parleremo a tempo opportuno. Scrivere per Tex è impegnativo e faticoso: sento la responsabilità di dovermi presentare con tutti i documenti in regola di fronte a un pubblico attento e numerassimo ed è come giocare in Nazionale venendo dalla Fiorentina. In più, scrivere un Tex interessante  potendo avere solo trentadue tavole a disposizione è impresa improba. Non pretendo di fare gol, ma spero di contribuire al risultato. Il Color Tex esce poi nello stesso momento dello Speciale Dampyr a mia firma, "La porta dell'inferno", accolto con molto favore dal pubblico, e dunque serve a dimostrare che sono in grado di cavarmela anche con altri personaggi oltre a Zagor (il mio eroe del cuore che, finché dipenderà da me, comunque mai abbandonerò). "

"Il mescalero senza volto e altre storie" presenta racconti western intrigarti ma di stampo tutto sommato tradizionale, "Chupacabras!" è l'unico dell'albo a uscire dai canoni per proporre una contaminazione horror. Contaminazione, tuttavia, che si basa su una creatura,  un folcloristico succhiatore di sangue del Sud Ovest, legata alle leggende messicane di cui ancora oggi si parla nei programmi di Giacobbo e là dove si affrontano temi legati alla criptozoologia. Una disciplina, questa, considerata pseudoscientifica, ma non per questo priva di interesse: gli studiosi che se ne occupano cercano di verificare l’attendibilità delle segnalazioni di specie animali su cui si hanno solo segnalazioni e prove indirette (testimonianze, impronte, foto dubbie e via dicendo) ma non l’evidenza di un esemplare catturato vivo, o dei suoi resti da esaminare. A fondare e teorizzare questo tipo di indagine fu lo zoologo belga Bernard Heuvelmans che, nel 1955, scrisse un saggio intitolato “Sulle tracce delle creature ignote”. Secondo lui, la materia avrebbe dovuto essere una branca della zoologia tradizionale ma la comunità scientifica non l’ha mai riconosciuta come tale, ritenendola più affine allo studio delle leggende e lontana dalle metodologie scientifiche. Tra le specie animali di cui non è mai stata provata l’esistenza, nonostante ci sia chi racconta di averli visti, oltre allo Yeti e al Sasquatch ci sono, solo per fare degli esempi, il Mostro di Loch Ness, la Bestia dello Géveudan e il Chupacabras (quest’ultimo, una sorta di grosso cane, o piccolo orso, munito di aculei dalla testa alla coda, che vivrebbe nelle zone desertiche del Centro America). Va detto che almeno uno degli animali considerati fantastici di cui si è occupata la criptozoologia si è poi scoperto essere realmente esistente: si tratta del calamaro gigante, di cui sono stati catturati anche alcuni esemplari. Molti delle creature che hanno attirato l’attenzione di Heuelmand hanno anche offerto spunti a non finire per romanzi, film e fumetti. 

LA CAPANNA NELLA PALUDE E ALTRI RACCONTI

Durante l’edizione 2015 di Lucca Comics è uscito un volume a mia firma targato Cartoon Club, intitolato “La capanna nella palude e altri racconti”. Il libro, che conta 160 pagine, che raccoglie in un unico volume il romanzo di Zagor “Le mura di Jericho” e due altri racconti (in prosa) con protagonisti lo Spirito con la Scure, tra cui uno mai pubblicato prima.  Avventure di frontiera, ma anche di mistero e di magia nel segno della contaminazione tra i generi tipica delle storie del nostro eroe. La copertina inedita è opera di Gallieno Ferri, ma all’interno ci sono numerose illustrazioni realizzate appositamente da una decina di disegnatori zagoriani. 

L’opera si può acquistare in fumetteria ma anche on line nei vari store telematici o tramite il sito http://www.fumodichina.com. Però potete anche scrivere o telefonare a Cartoon Club (Via Circonvallazione Occidentale, 58, 47900 Rimini – tel. 0541 784193). 

La prima edizione de “Le mura di Jericho” (di cui vedete la copertina qui accanto e di cui ho parlato a lungo in questo spazio quando uscì) è da tempo esaurita e dunque si imponeva una ristampa. Però, anziché limitarsi a quella, Paolo Guiducci (l’editore) mi ha chiesto di pensare a come offrire ai lettori qualcosa di nuovo, e dunque gli ho proposto di aggiungere al romanzo già pubblicato anche il racconto “La capanna nella palude” scritto per un evento dedicato a Ferri a Santa Margherita Ligure, ma con sostanziali modifiche, più un altro breve testo del tutto inedito (quello a cui si riferisce appunto l’illustrazione di copertina), intitolato “La casa”. 

Il sottotitolo recita “Tre Dime Novels di Zagor”, dato che in effetti si tratta proprio di letteratura pulp. A questo proposto, ecco il testo con cui ho presentato proprio questo ultimo racconto inedito.

Non aprite quella porta

di Moreno Burattini

Nella sua prefazione al primo racconto di questo volume, “Le mura di Jericho”, Giuseppe Pollicelli ha giustamente tirato in ballo i “dime novels”, o “romanzi da quattro soldi” che negli USA ripresero la tradizione dei  “penny dreadful” (cioè “orrore da uno spicciolo”),  pubblicati ancor prima in Inghilterra: un tipo di narrativa che, a partire dagli anni Trenta del diciannovesimo secolo, proponeva nel Regno Unito storie a puntate, con periodicità perlopiù settimanale, al costo di un penny per fascicolo. La definizione comprende una grande varietà di pubblicazioni, specializzate in romanzi avventurosi, a volte molto truculenti, sempre comunque scritti in tono sensazionalistico, puntando a sorprendere, inorridire, commuovere o comunque turbare il pubblico, composto soprattutto da acquirenti delle classi povere. Gli agili opuscoli potevano essere venduti a buon mercato anche perché venivano stampati su carta molto scadente, ricavata dalla cosiddetta “polpa” di cellulosa, la stessa da cui deriva il termine “pulp”, che indica la produzione artistica più popolare.

Illustrazione di Jevito Nuccio per
"Le mura di Jericho"

Venendo ad anni più recenti, con la definizione di “pulp magazine” si sono identificate alcune riviste di genere americane come “Weird Tales”, pubblicata a Chicago a partire dal 1923 e destinata a contenere racconti horror e fantastici: vi scrissero sopra autori come Robert Ervin Howard, Howard Phillips Lovecraft e Clark Ashton Smith. Già in precedenza, nel 1920, era nata però “Black Mask”, una rivista prevalentemente poliziesca ma che in realtà presentava, come recitava una pubblicità dell’epoca, "le migliori storie di avventura, i migliori mystery, le migliori storie romantiche e dell’occulto”. Data 1926 è invece “Amazing Stories”, con racconti di genere fantascientifico. Queste e (molte) altre testate del genere diedero il via anche a una vastissima produzione di fumetti “weird” (cioè, “bizzarri”) pubblicati su riviste come “Teles fron the crypt” (1950) o  “Creepy” (1964), per citare soltanto due fra le più illustri. Insomma, stiamo parlando di una incredibilmente vasta produzione di racconti brevi, fulminanti, per lo più horror e con un finale a sorpresa: un genere che può vantare perfino Edgar Allan Poe tra i suoi precursori. Nel filone rientrano anche serie di telefilm come “Twilight Zone” (“Ai confini della realtà”) o “Alfred Hitchcock presenta”. Come chissà quanti altri aspiranti scrittori ho sempre sognato di poter, un giorno, dare alle stampe una antologia di storielle di quattro o cinque pagine di questo tipo. I cassetti degli ex-ragazzi di mezzo mondo (almeno quelli cresciuti a pane ed EC Comics, o leggendo i “Racconti del Terrore” di Stan Lee pubblicati sugli Eureka Pocket) traboccano di raccontini del genere, a giudicare da quelli che vengono proposti sulle riviste o le antologie riservate agli esordienti. Per fortuna mia e dei miei lettori, i cento e passa short tales che ho accumulato nel tempo sono sempre rimasti sotto chiave. Però, trovandomi a dover (e voler) corredare il libro che avete tra le mani con un testo inedito più breve degli altri, ho pensato di rendere omaggio a questa tradizione che, indubbiamente, ha arricchito e divertito la mia vita. Del resto, Zagor si presta alle contaminazioni di ogni genere: ben venga anche questa.

INDIANS

Moreno Burattini e Stefano Babini a Romics 2015

Durante l'edizione 2015 di Romics, la kermesse fumettistica che va in scena ogni anno a Roma, ho partecipato alla presentazione di "Indians", un libro di Stefano Babini e Lele Vianello edito con il marchio Dark Crow, una etichetta indipendente che fa capo direttamente ai due autori. In pratica, si tratta di una autoproduzione. Quando gli editori non sono in grado di garantire ai realizzatori di un'opera un dignitoso compenso per il loro lavoro, capita che scrittori e illustratori scelgano di investire su se stessi e stampare in proprio ciò che hanno ideato, con tutti gli oneri e gli onori che ne conseguono. 

Nel caso di "Indians", Babini e Vinello hanno fatto le cose in grande producendo un brossurato di 124 pagine a colori (di formato orizzontale) stampato su carta lucida di eccellente qualità, in grado di restituire al meglio la policromia dei disegni raccolti. Disegni senza firma, mescolati fra loro, così che diventa persino una sfida divertente capire chi dei due ha disegnato cosa, essendo i loro stili assimilabili e di diretta derivazione da quello prattiano. Il tema delle illustrazioni è quello sintetizzato dal titolo: gli indiani d'America. Che, come risulta chiaro sfogliando il volume, sono in realtà scelti come simbolo di libertà, di ribellione, di vita a contatto con la natura, di fierezza, di avventura, di magia. Ma anche di erotismo, bellezza, sogno, leggenda, visione.

Sono amico di Stefano Babini da molti anni e ammiratore da sempre di Lele Vianello. Mi ha fatto molto piacere ricevere da loro la richiesta di scrivere la prefazione del loro volume. L'ho fatta, e ho scritto anche un articolo in proposito per il catalogo della manifestazione romana in cui il libro è stato presentato. Per motivi di spazio, il mio testo ha dovuto essere accorciato (e forse ne ha guadagnato in efficacia e immediatezza). Perciò, pubblico qui di seguito la versione estesa, che traccia un excursus su come i nativi americani sono stati raffigurati dai pittori ottocenteschi.

I GUERRIERI DEL SOGNO

di Moreno Burattini

George Catlin

I primi ritratti di pellerossa realizzati dal vivo da un pittore, che poi li espose nelle Gallerie d’Arte di grandi metropoli come New York, Londra e Parigi, furono quelli di George Catlin.  Nato in Pennsylvania nel 1796, dopo aver esercitato per breve tempo la professione di avvocato, Catlin si dedicò alla pittura e, nel 1830, si trasferì a St. Louis, nell’attuale Missouri. In questa città ebbe la ventura di conoscere proprio William Clark, che vi si era stabilito al termine delle sue avventurose esplorazioni che lo avevano reso amico di numerosi pellerossa. Erano infatti tanti gli indiani che venivano e fargli visita e Catlin, vedendoli, ne fu affascinato al punto da chiedere loro di posare per dei ritratti. Nel 1832, il pittore volle intraprendere un viaggio nelle terre dei nativi, soprattutto in direzione delle Grandi Praterie. Raggiunse dunque Fort Union, che oggi è nel North Dakota, e lì ebbe l’occasione di dipingere guerrieri e squaw dei Piedi Neri, degli Assiniboin, dei Cree e dei Crow, le cui tribù erano stanziate attorno al Forte. Quindi, proseguendo il viaggio, Catlin raggiunse i Mandan e si fermò a lungo nel loro villaggio, al punto da poter dipingere e annotare ogni aspetto della loro vita sociale. Fu il primo bianco ad assistere alla cerimonia della Danza del Sole, un rituale di purificazione che prevedeva il digiuno e l’autoflagellazione per invocare le divinità ed entrare in contatto con loro. Nel 1833, a Pittsburg vennero esposti in una mostra i primi quadri del pittore raffiguranti capi indiani e scene di vita nei loro villaggi. Da quel momento la fama di Catlin crebbe in America e anche in Europa, si intensificarono i suoi viaggi e si moltiplicarono le sue mostre.

Il villaggio dei Mandan visto da Catlin

La Danza del Sole secondo Catlin

George Catlin. La caccia al bisonte 

Quella degli artisti del pennello ispirati dagli scenari western, intendendo tutti quelli a Ovest del Mississippi, a partire dall’acquisto della Louisiana dalla Francia, da parte degli Stati Uniti, nel 1803, fu una vera e propria scuola, ricca di talenti. La necessità  di conoscere ed esplorare gli immensi territori da poco acquisiti, che avevano più che raddoppiato il territorio federale, suggerì al governo di Washington di inviare numerose spedizioni con il compito di cartografare le nuove regioni e mappare la dislocazione delle tribù indigene. Al seguito di queste missioni si unirono artisti invitati a raffigurare in schizzi a matita o con acquarelli i paesaggi, la fauna, la flora e i villaggi delle popolazioni locali. Questi disegni fornirono le prime informazioni iconografiche sulle terre ancora sconosciute che si offrivano alla colonizzazione bianca, ed esaltarono l’immaginazione degli americani delle città dell’Est. Ben presto altri artisti cominciarono a viaggiare per proprio conto diretti verso occidente, obbedendo a un desiderio personale oppure spronati da committenti che chiedevano quadri con gli scenari grandiosi delle Grandi Praterie, le Montagne Rocciose o i canyon e le mese del Sud Ovest. 

Karl Bodmer. La corsa dei cavalli.

Karl Bodmer (1809-1893), artista svizzero, e Alfred Jacob Miller (1810-1874), nativo invece di Baltimora, si ispirarono all’opera di George Catlin e, come lui, si occuparono principalmente di raffigurare pellerossa. La loro visione dei nativi fu sostanzialmente romantica: gli indiani vivevano in un paesaggio incontaminato, cacciavano i bisonti, si facevano guerra tra loro ignorando la minaccia degli uomini bianchi e trascorrevano il tempo in uno scenario bucolico in cui nulla lasciava presagire il dramma della decimazione e della deportazione nelle riserve. 

Alfred Jacob Miller. Caccia all'orso

Nella seconda metà del diciannovesimo secolo le cose cominciarono a cambiare. Nelle opere di pittori come Seth Eastman (1808-1875), William Ranney (1813-1857). Charles Deas (1818-1867) e Carl Wimar (1828-1862) le tribù dei nativi attaccano le carovane, scalpano i trappers e combattono con i soldati dell’esercito. Il sentimentalismo precedente lascia il posto alla cronaca storica e, per certi versi, alla “celebrazione” del “progresso” portato dall’avanzare della Civiltà nelle terre di frontiera.  

William Ranney

Ma i pittori che più molti altri seppero raccontare, con straordinaria efficacia e modernità, la conquista del West (al punto di essere ancora oggi attualissimi), furono Frederic Remington (1861-1909) e Charles Marlon Russell (1864-1926).  Nato nel nord dello stato di New York il primo, originario di Saint Louis il secondo, rifiutarono entrambi l’idea che l’arte dovesse “celebrare” qualcosa, e trovavano discutibile la retorica propagandistica del “destino manifesto” dell’uomo bianco chiamato a portare la fiaccola della verità nelle tenebre dell’errore. Così, ciascuno alla propria maniera e percorrendo strade diverse, si sforzarono (riuscendoci benissimo) di mostrare la realtà nuda e cruda, in opere in grado di suscitare contrastanti sentimenti da punti di vista differenti, perché la verità non è una sola ma è sfaccettata. Il West di Remington e Russell è vivo, emozionale,  e se raffigura uno scontro fra un bianco e un indiano non prende posizione, lasciando allo spettatore il compito di giudicare da che parte stare. 

Charles Marlon Russell. Nella terra dei nemici

Frederic Remington

Stefano Babini e Lele Vianello, invece, non hanno dubbi su come schierarsi: dalla parte dei nativi. Il loro cuore, lo si vede benissimo nelle pagine che seguono, palpita all’unisono con quello del Popolo degli Uomini (come gran parte delle tribù chiamavano se stessi). Rispetto ai pittori ottocenteschi, però, Babini e Vianello non hanno avuto bisogno, per raffigurarli, di vedere dal vivo gli indiani d’America (che peraltro, oggi, indossano i loro costumi tradizionali soltanto per i turisti). Non soltanto perché la documentazione disponibile agli illustratori contemporanei è imponente, ma perché più che dalla realtà hanno attinto dalla leggenda. Cento anni di cinema e di fumetti, centocinquanta di fotografie, duecento di romanzi, hanno sedimentato il mito. Il popolo rosso è entrato a far parte dell’immaginario collettivo: guerrieri, sakem, uomini della medicina, squaw sono ormai delle icone. Fanno parte del sogno di tutti noi. Ma il sogno, ormai, non è così distante dalla realtà come si potrebbe ipotizzare immaginando che la fiction abbia deformato la Storia. Il progressivo aggiungersi di informazioni e di dati ha fatto sì che l’immagine del nativo che si ricava dalla sedimentazione finisca sempre più per avvicinarsi alla figura del reale. Ma la cosa, per certi versi, non ha importanza: il pellerossa si può interpretare, senza tradirne l’essenza, come un simbolo (di libertà, di coraggio, di lealtà, di vicinanza alla natura, di spiritualità) e può avere valenza epica, con l’identificazione del guerriero armato di arco e di lancia come eroe romantico e come protagonista di avventure che tutti noi vorremmo vivere, sia pure catarticamente, al suo posto. Stefano e Lele hanno negli occhi (e nelle mani) i disegni di Hugo Pratt, maestro di entrambi, filtrati attraverso la loro personale sensibilità, le loro letture, le loro visioni. Ma anche Pratt si era nutrito di suggestioni precedenti. Il viaggio che state per iniziare in compagnia dei due autori va fatto a occhi aperti, sfogliando le pagine che seguono. Ma può proseguire a libro finito, con gli occhi chiusi.

SO LONG, FERNANDO

Fernando Fusco con Gallieno Ferri

Il 9 agosto 2015, all’età di ottantasei anni, è morto Fernando Fusco. La foto che vedete qui sopra gliel’ho scattata io stesso, nel 2011, a Città di Castello (dove viveva da tempo, umbro d’adozione dopo essere stato ligure di nascita, e dove è scomparso). Accanto a lui c’è Gallieno Ferri, stessa classe (quella del 1929) e stesse esperienze francesi prima di approdare in casa Bonelli. Ricordo Fusco come una persona estremamente simpatica e sorridente, che si scherniva di fronte a me che gli confessavo la mia emozione nel conoscerlo di persona dopo una vita passata a leggere i suoi fumetti. Non soltanto quelli di Tex, peraltro, perché io da ragazzo andavo matto soprattutto per due sue serie che uscivano sull’ “Intrepido” e "Il Monello", intitolate “Lone Wolf” e “I due dell’Apocalisse”, scritte da Luigi Grecchi. 

Tex n° 205

Dopo averlo ammirato all’opera in una delle più belle (e lunghe) storie di Tex, quella de “I ribelli del Canada” (dal n° 203 al n° 207) , sceneggiata per lui da Guido Nolitta, sono sempre stato felice di ritrovarlo negli albi di Aquila della Notte e ricordo alcune sue avventure davvero memorabili, caratterizzate da quelle sue pennellate vigorose e da un eroe massiccio che imponeva rispetto soltanto a guardarlo. La sua prima prova texiana risale al 1974, con l’episodio “L’idolo di smeraldo” (n° 168), su testi di Giovanni Luigi Bonelli, ma non si può non segnalare come Sergio Bonelli abbia scelto proprio lui per il suo debutto come sceneggiatore texiano, quando, nel 1976, con “Caccia all’uomo” (Tex n° 183), esordisce sulla serie fino a quel momento scritta sempre dal padre. Sull’Almanacco del West 2010 è uscito il racconto “La banda dei messicani” (testi di Claudio Nizzi) con il quale Fusco ha deciso di ritirarsi dalla scena fumettistica per dedicarsi all’altra sua passione, la pittura. Una scelta coraggiosa, perché compiuta quando ancora era in grado, nonostante l’età, di consegnare tavole più che dignitose: tuttavia, evidentemente sentiva di dover salutare i suoi lettori lasciando il migliore dei ricordi possibili. In tutto, sono state quasi settemila le tavole di Tex da lui realizzate (attualmente è il quarto disegnatore più prolifico dopo Ticci, Letteri e Galleppini). Si è trattato sicuramente di uno degli autori che più hanno arricchito il mio immaginario di lettore di fumetti, nei tanti anni in cui mi ha regalato sogni ed emozioni. 

Compilando il saggio “Gli anni d’oro di Tex”, comparso nel 1998 sul volume “Tex, un eroe per amico” (Federico Motta Editore), ho esaminato, fra l’altro, anche il momento dell’ingresso di Fusco nello staff di Aquila della Notte. Riporto qui di seguito quel che ho scritto. So long, Fernando.

NOLITTA & FUSCO:

I DUE DELL'APOCALISSE

di Moreno Burattini

La prima avventura nolittiana di Tex, "Caccia all'uomo" (n° 183) fu realizzata in coppia con un altro quasi esordiente nell’ambito della serie, il disegnatore Fernando Fusco. L’illustratore, nato a Ventimiglia nel 1929, disegnava fumetti fin dal 1948, lo stesso anno della nascita di Tex. Collaboratore del "Vittorioso", nel 1957 si era trasferito a Parigi dove aveva lavorato per decine di testate, personaggi ed editori diversi, fino al suo ritorno in Italia nel 1970. Qui, si era messo in luce realizzando, su testi di Luigi Grecchi, due serie di grande successo pubblicate su "L’Intrepido" e "Il Monello": Lone Wolf e I Due dell’Apocalisse. 

Ma già nel 1974, Sergio Bonelli lo coopta per Tex. Racconta lo stesso disegnatore: “Incontro Sergio Bonelli al mio rientro in Italia da Parigi. In un lasso di tempo di tre anni ho modo di frequentarlo, consolidando la nostra amicizia, dopodiché inizio la collaborazione con la sa casa editrice. Avevo una certa titubanza nell’affrontare la realizzazione di Tex (che Sergio mi aveva già proposto nei nostri primi incontri) dovuta al fatto che non avevo mai, fino ad allora, ripreso un personaggio già creato da altri. Avevo sempre disegnato personaggi miei. Mi preoccupava anche la lunghezza delle storie, dato che ero abituato a disegnare episodi molto corti e storie autoconclusive. Questo mi ha fatto faticare un po’ in principio. Per il resto, il genere western lo disegnavo già da diverso tempo: nel western, un disegnatore trova un po’ tutto quello che ama disegnare: l’avventura, la varietà dei paesaggi, gli animali e infine gli uomini, con le loro passioni, gli ideali e gli inevitabili conflitti” (dal volume "Tex, tra la leggenda e il mito"). 

Insomma, la Casa editrice già a metà degli anni Settanta sentiva il bisogno di ampliare il parco autori e cercare nuove leve, sia fra i disegnatori che fra gli sceneggiatori, e voleva farlo scegliendo nomi in grado di produrre tavole di qualità. Fusco fu senz’altro un acquisto azzeccato, sia per la sua capacità scenografica di dominare gli spazi, sia per la sua interpretazione dei personaggi, personalissima eppure sempre aderente alle esigenze del racconto e della tradizione, basata soprattutto a una resa grafica estremamente dinamica dei loro movimenti.

IL PASSATO DI "GUITAR" JIM

E’ in edicola il terzo Color Zagor, intitolato “Il passato di ‘Guitar’ Jim”, datato agosto 2015, con una bella copertina di Gallieno Ferri. Si tratta di un albo che ho sceneggiato con una certa emozione perché destinato a venire illustrato da un maestro serbo del fumetto, noto non soltanto nel suo Paese ma anche in mezza Europa e negli Stati Uniti: Branislav “Bane” Kerac, il primo “straniero” arruolato nello staff dello Spirito con la Scure. 

Io e Bane Kerac in una sua caricatura

Ho incontrato per la prima volta Bane nella città di Kraguievac, in Serbia, nel luglio del 2011. In quella località viene allestita ogni estate una manifestazione fumettistica e in quell’anno io ero stato invitato per festeggiare anche alle falde dei Balcani il cinquantennale dello Spirito con la Scure. Bane, uno fra i più conosciuti e amati artisti serbi, attivo da decenni sia nella sua terra che all’estero, mi parlò della grande popolarità di gode il Re di Darkwood in tutti i Paesi della ex-Yugoslavia e mi spiegò che gli sarebbe piaciuto disegnare una storia di Zagor da pubblicare, in tiratura limitata, soltanto in Serbia, per i suoi ammiratori che da tempo gli chiedevano di cimentarsi con l’eroe di Nolitta & Ferri. Mi mostrò, fra le altre cose, le sue tavole di Tarzan, più alcuni lavori western: ne rimasi molto colpito, al punto da desiderare di fargli fare una storia zagoriana non soltanto per i serbi ma proprio per la serie italiana. Promisi che ne avrei parlato con Sergio Bonelli. Però poi, come si sa, nel settembre di quell’anno Sergio partì per un lungo viaggio, lasciandoci soli. 

Io e Bane Kerac a Makarska (Croazia).

La seconda volta che ho visto Kerac mi trovavo, invece, in Croazia. Per la precisione, nella località balneare di Makarska, vicino a Spalato, nel maggio del 2012, sempre impegnato per una kermesse dedicata agli eroi di carta. Il rivederlo è servito a concretizzare la proposta: poiché in Italia stava prendendo forma l’idea di una nuova collana di storie autoconclusive tutte a colori, il Color Zagor, era appunto una di queste che Bane avrebbe potuto illustrare, se le sue prove fossero andate bene. Non avevo dubbi che sarebbero state perfette, avendo avuto modo, nel frattempo, di vedere quel che Kerac aveva disegnato nella sua carriera ed essermi convinto del suo grande talento. La Casa editrice si è detta d'accordo con me e, di lì a pochi mesi, gli ho spedito le prime tavole di sceneggiatura. 

In seguito siamo stati entrambi ospiti in due altre manifestazioni in cui sono state mostrate in anteprima le sue tavole zagoriane: a Herceg Novi in Montenegro nel 214 e a Riminicomix nel 2015, dove è avvenuto il suo primo, festoso incontro con i fan di Zagor italiani. In più, c’é una cosa che, come abbiamo scoperto, ci univa, oltre alla passione zagoriana: la data di nascita. Tutti e due, io e lui, siamo nati il 7 settembre (lui esattamente dieci anni prima di me, nel 1952).

La festa di compleanno per me e per Bane Kerac preparata a Herczeg Novi  in Montenegro il 7 settembre 2014

Io e Bane Kerac in Montenegro a una mostra delle sue tavole zavorriate

Lavorare con Kerac è stato molto piacevole e gratificante. Bane si è sempre mostrato disponibilissimo nell’accettare i miei suggerimenti e nel correggere qua e là qualche vignetta ma allo stesso tempo, da esperto narratore qual è, ha migliorato in alcuni passaggi il mio racconto, aggiungendo trovate delle sue sul modo di far combattere il Re di Darkwood. Ha poi inserito di sua sponte alcune “citazioni” di film e fumetti e, in una vignetta, ci sono finito anche io in compagnia di Marco Grasso di Etna Comics, un amico che io e Branislav abbiamo in comune. 

Tutti gli albi della collana Color Zagor sono dedicati a un personaggio del microscosmo zagoriano portati, uno per uno, sotto le luci della ribalta: prima è toccato a Fisheg (soggetto mio, sceneggiatura di Jacopo Rauch, disegni Walter Venturi), poi a Guthrum (i testi tutta farina del sacco di Jacopo, i disegni di Gianni Sedioli), adesso a “Guitar” Jim. Nei prossimi anni sono in arrivo altri ritorni, per lo più richiesti a gran voce, ma vi lascerò il piacere di scoprire al momento giusto di chi si tratta.

In ogni caso a me è piaciuto in modo particolare occuparmi di "Guitar" Jim, un personaggio a cui sono molto legato come lettore ma anche come autore perché tra le cose migliori che (secondo me) ho scritto c'è "Una canzone per Kimberly", un albetto di 32 pagine allegato a un vecchio Zagor Speciale, in cui il chitarrista vive una avventura in solitaria (senza Zagor). 

La tavola originale n° 1 del Color Zagor di Kerac

Leggendo la storia del Color a lui dedicata si scopre chi gli ha insegnato a suonare la chitarra, chi a sparare, perché la prima volta abbia ideato il nascondiglio della pistola nella cassa armonica del suo strumento, come mai un bravo ragazzo dalla faccia pulita come Jim sia diventato un rapinatore ricercato dalla legge. A un certo punto, il chitarrista canta anche la canzone dedicata a lui da Graziano Romani nel suo album "Zagor King Of Darkwood" (un inside joke che di certo non sarà sfuggito ai lettori più attenti). Non so se quel che ho immaginato io abbia soddisfatto i lettori, ma sono certo di aver fatto del mio meglio. 

Qui di seguito pubblico la scheda che ho dedicato a “Guitar” Jim nella mia rubrica “Buoni & Cattivi” pubblicata sul diciassettesimo volume della Collezione Storica a colori di Repubblica.

"GUITAR" JIM

L’ispirazione cinematografica è  alla base di un personaggio tra i più indimenticabili della serie: “Guitar” Jim, destinato a ripetuti ritorni e a una importante evoluzione psicologica e caratteriale. Per crearlo, Nolitta ha tenuto presente “Johnny Guitar”, un film western del 1954 diretto da Nicholas Ray, con protagonista Sterling Hayden. Differenziandosi subito dal modello di celluloide, il “Guitar” Jim di Nolitta è sì un abile chitarrista ma anche una simpatica canaglia che gira con una pistola nascosta nella cassa della sua chitarra, pronto a rapinare chi si sia fidato della sua faccia pulita e della sua aria sbarazzina. 

Alla sua prima apparizione, Jim si esibisce in una interpretazione di un classico del folk americano (pur di derivazione anglosassone) qual è “On top of old smokey”. Nei successivi incontri con lo Spirito con la Scure, “Guitar” Jim intonerà molte altre canzoni della tradizione, ma si rivelerà anche in grado di improvvisare ballate di sua composizione, che gli servono per prendere in giro, nel tono scanzonato che gli è proprio, le sue malcapitate vittime (contro cui però mai Jim usa davvero la violenza, essendo tutto sommato un ladro gentiluomo).  A dimostrazione di quanto Sergio Bonelli tenesse in grande considerazione il suo personaggio, basterà pensare che gli ha voluto dedicare un albo speciale a colori, intitolato “Il mio amico ‘Guitar’ Jim”: da furfante matricolato seppur ilare e canterino, Jim diventa un character assai più complesso e ricco di sfumature, in grado di ispirare anche altri sceneggiatori che, in seguito, ne avrebbero perfezionato il ritratto in alcune loro storie.